Thursday, 19 August 2021

Déjâ Vu. CSN&Y, a digital conversation for three

Gary's Copy
Starting out as a short debate about CDs and DVDs no longer being sold at Sainsbury's...

Gary, 9 July:

Interesting article on the BBC News site about one of the leading supermarkets in the UK stopping selling CDs and DVDs…. Note the quote "Vinyl is incredibly fashionable and the CD has gone out of fashion. A lot of indies [independent shops] may be stocking less CDs than they used to, but they're still selling. There's this myth that the CD is completely dead.”

Mark, 11 July: 

Thanks - yes I saw this. Not surprised. Sainsbury's decision is the tail end of a depressing trend to cut the availability of music on the high street that goes back 10 years or more. The supermarkets have only been selling a desultory list of top ten albums so it is not a huge loss to culture. Different story  50 years ago in my teenage years in north Wales when I started buying records. I would be able to get my Beatles, Stones, ELP, Yes, Rory Gallagher albums in local shops like Boots the Chemists, WH Smiths and Woollies (as in Woolworths, not sheep). There was also a department store across the border in Chester called Browns which had an impressive range of vinyl racks slotted in between haberdashery and the menswear department. I would pop in there to get the new Wings album before getting my bus back home from school, hiding it amongst the text books in my bag so my father wouldn't spot it. There was also the occasional foray to Liverpool to save up for. This required a bus, a train and a metro to get to so required some intricate logistics. I used to head straight to one of Richard Branson's first Virgin Records shops which was above a shoe shop in Bold Street. There a dazzling and diverse musical vista opened up before my eyes and ears featuring weird independent labels, rarities, imports...... 

There is a similar thrill still to be enjoyed when I head now to the last surviving record shops in London like Fopps and Rough Trade  They provide an increasingly rare opportunity to see the world of music and its history in all its diverse genres and geographies laid out physically all around you. It's an experience that I don't think can be matched by the online retailers. So I hope that following the demise and disappearance of Virgin megastores, HMV, Tower Records etc (except in Japan....) these remaining shops can survive and thrive. 

That's why it's important to support Record Store Day! This year's Drop Day 2 coming up next Saturday (17th) so join the queue of socially distanced diehard music fans - and tick the list !  The CSN&Y Deja Vu alternate takes is top of mine.

... the discussion moved to (the Record Store Day re-release of) Déjà Vu.

Gary, 11 July:

I agree Mark, but I would say that the vinyl market does seem to be healthy?

I still have my copy of Deja Vu I brought back in the 70s although somewhat a little worse for wear over the last 50 years!😊

Trying to avoid the bloody soccer at the moment… but will be interested to see how Branson gets on in space later… I wonder if he is thinking about an orbital record shop?😉

Mark's two copies*
Mark, 20 July:

* Spot the big difference
 
It certainly looks a well-worn copy, Gary, which kind of works really because the textured sleeve design with gothic lettering in gold was intended to mimic the kind of old album of sepia photographs that falls apart when retrieved from the loft. I hope the vinyl is not so battered and you still find time to play it because I think the half century old music it contains has lasted incredibly well. And the lyrics still resonate:
 
"The sky is clearing and the night has cried enough
The sun, he come, the world to soften up
Rejoice, rejoice, we have no choice but to carry on",

It probably vies with the White Album as my most-played record. When I got my copy - later than you, in the early 1980s -  the harmony-driven optimism, gripping melodies and powerful musicianship totally blew me away. It seemed  comparable to the Beatles formula of disparate talents magically hitting off on each other to produce a masterpiece. Only Dallas Taylor who was the drummer is no longer with us: he passed away in 2015 (liver disease after a history of alcoholism and his wife's donation of a kidney to save him).  

I got my limited edition alternate takes album on Record Store Day 2 on Saturday (a strong sense indeed of deja queue outside Rough Trade just off Brick Lane) and I've been playing it over and over since. The sound of the record is tremendous, like you're in the studio: the edge of every note captured with crystal clarity. 

Of the tracks, the extended take of Crosby's thunderous Almost Cut My Hair  is a forerunner of the kind of extended jams that Neil Young can intoxicate you with. The take of Teach Your Children is an early Graham Nash run-through done before Jerry Garcia dropped by the studio to add his delicious countrified guitar licks which would give the song such tremendous lift. 

As for Neil Young's Helpless - what can you say: a masterpiece of evocation of memory of his Canadian roots with intriguing, slightly oblique poetry in the lyrics, and a unique musical arrangement that almost stops but hangs on with tantalising beauty. This take has some additional harmonica playing which intrudes a little on the measured interplay of piano and guitar so the released version stripped of the harmonica has the slight edge maybe. It's great nonetheless to hear this alternate take of a song that is a spine-tingling listening experience every time I put it on the turntable.

Yellow moon on the rise over Coulsdon this evening during a beautiful sunset but the big birds have yet to reappear stacked up on their descent into Gatwick. No choice but to carry on.
 
*You got it: the disappearing dog! 

Wout, 20 July:
I have to admit that I do not own a vinyl copy of Deja vu. Only a cd. Because of your emails, I wondered why that could be. My first thought was that when I started buying records seriously in the late 70s, this band certainly was a thing of the past. Just like I have no Led Zeppelin records except for the last one, 'In Through The Out Door'. Until the last couple of years. The only old records I bought new despite having the cds.

I did get a second thought though. That in the end I do not like the solo output of the original three members. On Woodstock e.g., an album that I did get to know circa 1972 as a friend of mine had it and we played it endlessly, I could not get through 'Suite': Judy Blue Eyes' and totally raved after 'Sea Of Madness', a song never released anywhere else, I think. Always the Neil Young fan, even then, before I knew any better.

I did start buying some albums second hand, circa 1990, so I have the first album without Neil, I have 'CSN', but not Deja Vu, maybe because it wasn't for sale where I was looking? I have the first two Stephen Stills solo albums. the first David Crosby, and already had Graham Nash because I liked his two hit singles of 1971, 'Chicago' and 'Military Madness'. Even one Crosby & Nash album. They have one thing in common, all are very little played albums.

I have Deja Vu probably for over 20 years as cd, but it is also not often played. I'll play it again soon. Perhaps 51 years down the line, gives me the opportunity to reappraise it.

Now the story. When my son was born, my, now ex, wife had to go into surgery immediately and I was left behind with this little human being lying in some sort of scale, blood everywhere around us. I was looking into these big, dark brown eyes that were staring intently at me. I put my little finger in his hand and we were just looking at each other.

A cleaning nurse stepped into the room and without saying anything she turned on the radio. The song that came on was the first single I owned. My aunt gave me Ricky Nelson's 'Hello Mary Lou' because I always wanted to hear it and my mother could play it at home for me as well. One year old and already totally captured by music. It never left me. But this story is about the second song that came on.

The radio played Crosby, Stills, Nash and Young. It could have been any song and it would never have made an impression on me. It was 'Teach Your Children'. A more befitting song after being alone with your first born right after childbirth is hard to imagine. Here I had been telling him about the first song he heard being alive and what it meant to me. Next I promised him to do my utmost in teaching him. Looking at how he's turned out, it's safe to say that my ex-wife and I did alright.

Also, he loves music as much as I do, with a major difference. I don't think he even spent €100 in his life on music. Owning music is a thing of the past for a lot of youths. They have You Tube and Spotify. This seems to be enough and in a way it is of course. I still feel the romance of holding an LP in my hand, looking at the sleeve, reading it for xth time. Not our youth, but that's a different story.

I will go and listen to Deja Vu once again after many years. Who knows what happens?

Mark, 25 July:

CSNY: Sea of Madness is a curiosity in Neil Young's oeuvre because there still hasn't been an official issue of a studio version. It doesn't feature on the Deja Vu 50th anniversary 4-cd deluxe boxset so maybe none exists. The live version on the Woodstock soundtrack  turned up on the first Neil Young Archive box in 2009 with a curious note explaining that that performance was actually recorded at the Fillmore East in New York a month after Woodstock in September 1969, so not at the festival itself.

Of the contemporary CSNY solo albums I recommend revisiting the first David Crosby album If I Could Only Remember My Name which despite its lousy title is now widely recognised as an impressive companion piece to Deja Vu.  Indeed S, N & Y all contribute to various tracks as do Jerry Garcia and other members of the Dead and also several members of Jefferson Airplane. So an impressive ensemble of San Francisco's finest and for me the album sums up that sun-bleached era of west coast music in a truly beautiful way with luscious harmonies and mesmerising arrangements.The stand-out track for me is Laughing so play that first and spot Joni Mictchell's beautiful background harmonies in the crescendo (a rare album guest appearance for her - she was hanging out with Crosby at the time). There is also a Beatles connection: I read somewhere that this song (which Crosby recorded again with less flair for the disappointing 1973 Byrds short-lived reunion album) was a message to George Harrison about disillusionment with the Maharishi (who had been derided by some sceptics as the "giggling guru" - hence the title).  I thought I met a man / Who said he knew a man / Who knew what was going on / I was mistaken..... A stunning song that always succeeds in sending symphonic psychedelic shimmers up my spine.

David Crosby is still going strong as he approaches 80 and he is in remarkably good voice too apparently. After an erratic career and a personal history that matches only Marianne Faithfull's for steep descents into near oblivion, he's now enjoying a late career resurgence that started with the 2014 nick-eponymous album Croz. His new album For Free (named after a vintage Joni Mitchell song that he covers from her 1970 album Ladies of the Canyon), earned a four-star review in yesterday's Financial Times (I haven't sold out but the Guardian had in our local supermarket). This was one more than that for the latest release (on the same day) by another west coast veteran, Jackson Browne: the gloomily-titled Downhill from Everywhere. The "glowing vocal harmony redolent of the golden age of CSNY" suggests For Free is worth checking out too. And as you may have seen, Joni Mitchell's wondrous archives are at last now opening up. 

Altogether now:
   
"All the leaves are brown (all the leaves are brown)
And the sky is gray...... "

Lookin' out the window here in Coulsdon, I see the summer of love has indeed clouded. 

California dreamin'.....
 
PS - I think I've just invented the word "nick-eponymous"! I can't immediately think of one but there must be other examples of album titles that are the artists' nicknames. Answers in an email please!

Wout, 26 July:

I'm listening to the new David Crosby right now. Jazzy, of course, but a quite potent sound and certainly so for an 80 year old.

Gary

Mark

Wout

 

 

Tuesday, 17 August 2021

The Eternal Rocks Beneath. Katherine Priddy

Katherine Priddy is de grote belofte van de Britse folk, maar ze verlegt op haar geweldige debuutalbum The Eternal Rocks Beneath ook op subtiele wijze de grenzen van het genre.

De Britse muzikante Katherine Priddy heeft een stem waarvoor menig muziekliefhebber direct zal smelten, maar haar prachtige stem is slechts één van de vele sterke wapens op The Eternal Rocks Beneath. Op haar debuutalbum betovert Katherine Priddy niet alleen met bijzonder mooie vocalen, maar ook met een zeer smaakvolle instrumentatie, die zowel binnen als buiten de lijntjes van de traditionele Britse folk kleurt. De songs van de jonge Britse muzikante zijn al even smaakvol en zitten vol subtiele verrassingen. The Eternal Rocks Beneath is een folkalbum dat zowel traditioneel als modern klinkt, dat op subtiele wijze de grenzen opzoekt, maar dat boven alles van een bijzondere schoonheid is.

Hoewel ik mijn klassiekers ken en favorieten heb binnen de traditionele of traditioneel aandoende Britse folk, sta ik bij nieuwe releases in het genre over het algemeen genomen niet te popelen. Zo nu en dan zijn er echter uitzonderingen, zoals The Eternal Rocks Beneath van de Britse singer-songwriter Katherine Priddy. 

Hoewel haar debuutalbum absoluut in het hokje traditionele Britse folk past, was ik al na een paar tracks overtuigd van de kwaliteiten van Katherine Priddy, die behoort tot het beste dat de Britse folk de afgelopen paar decennia heeft voortgebracht. Dat is niet alleen mijn mening, maar ook die van de legendarische Britse folkmuzikant Richard Thompson, die de jonge Britse muzikante de hemel in prees na het verschijnen van haar eerste EP in 2019. 

Daar valt niets op af te dingen, want wat Katherine Priddy laat horen op haar debuutalbum is indrukwekkend. The Eternal Rocks Beneath valt allereerst op door de prachtige stem van de Britse muzikante, die opgroeide op het Britse platteland, op een steenworp afstand van de plek waar Nick Drake werd geboren en overleed. Het is een stem die zo helder klinkt als je van een Britse folkie mag verwachten, maar het is ook een stem vol gevoel die prachtig vol kan klinken, maar ook fluisterzacht. 

Het is een stem die herinneringen oproept aan de grote zangeressen in het genre, maar Katherine Priddy heeft ook een eigen geluid. Alleen de zang maakt van The Eternal Rocks Beneath al een prachtalbum, maar het debuutalbum van de Britse muzikante heeft nog veel meer te bieden. 

Zo sluit de instrumentatie, die in de openingstrack vooraf wordt gegaan door fluitende vogeltjes, hier en daar prachtig aan bij de tradities van de Britse folk met fraai akoestisch gitaarspel en een stemmige viool, maar Katherine Priddy kleurt ook buiten de lijntjes van de traditionele Britse folk. In een aantal songs zijn invloeden uit de Keltische muziek te horen, maar hier en daar hoor je ook atmosferische klanken, die op fascinerende wijze de spanning opbouwen. 

Voor liefhebbers van Britse folk is het smullen, maar The Eternal Rocks Beneath moet in bredere kring respect af kunnen dwingen. Katherine Priddy zingt de sterren van de hemel en heeft haar debuutalbum prachtig ingekleurd, maar de jonge Britse muzikante heeft meer te bieden. Haar teksten gaan niet over koetjes en kalfjes, maar wijzen op een brede belangstelling voor literatuur, geschiedenis, natuur en mythologie. 

Ook in haar songs maakt Katherine Priddy het zichzelf niet altijd makkelijk, zeker wanneer de gebaande paden van de Britse folk worden verlaten voor avontuurlijke uitstapjes, die de traditionele Britse folk overigens niet heel ver uit het oog verliezen. 

Ik werd in eerste instantie vooral gegrepen door de prachtige stem van Katherine Priddy, maar hoe vaker ik naar The Eternal Rocks Beneath hoe mooier en fascinerender het album wordt en hoe mooier de zang en de instrumentatie met elkaar in balans zijn. The Eternal Rocks Beneath van Katherine Priddy is een bloedmooi Brits folkalbum, dat nog wat meer glans krijgt door de fraaie wijze waarop de Britse muzikante de grenzen van het genre opzoekt en overschrijdt. Ik zeg het niet vaak over recent uitgebrachte albums in het genre, maar The Eternal Rocks Beneath is een waar meesterwerk.

 Erwin Zijleman

Luister naar onze Spotify Playlist om uit te vinden waar we over schrijven:

https://open.spotify.com/user/glazu53/playlist/6R9FgPd2btrMuMaIrYeCh6?si=KI6LzLaAS5K-wsez5oSO2g

Monday, 16 August 2021

Personal History. Ailbhe Reddy

De jonge Ierse singer-songwriter Ailbhe Reddy levert een rauw, puur en eerlijk debuut af vol persoonlijke verhalen, hier en daar een randje folk en flink wat Ierse passie.

Het is al vaker gezegd dat er momenteel wel heel veel jonge vrouwelijke singer-songwriters opduiken, maar met de uit Dublin opererende Ailbhe Reddy moet zeker rekening worden gehouden. De jonge Ierse muzikante krijgt het etiket folkpop opgeplakt, maar de meeste tracks op Personal History zijn een stuk rauwer dan je op basis van dit etiket zou verwachten. Ailbhe Reddy heeft een persoonlijk album afgeleverd waarop flarden folk opduiken, maar waarop ook de ruwe gitaaruitbarstingen niet worden geschuwd. Het wordt gecombineerd met indringende persoonlijke verhalen en expressieve vocalen vol emotie. Het levert een bijzonder sterk debuutalbum op.

Ailbhe Reddy is een jonge Ierse singer-songwriter, die dit voorjaar debuteerde met Personal History. Het is een ambitieus debuut geworden, waarop de jonge muzikante uit Dublin een poging doet om zichzelf te begrijpen. Ailbhe Reddy ging hierbij niet over één nacht ijs. Personal History is niet gebaseerd op psychologie van de koude grond, maar werd vooraf gegaan door een jaar durende studie op het terrein van psychotherapie. Het levert een intiem album op, waarop de jonge Ierse muzikante zichzelf zeker niet spaart. 

Personal History heeft het etiket folkpop opgeplakt gekregen, maar voor lieflijk of pastoraal klinkende folksongs met zachte vocalen ben je bij Ailbhe Reddy aan het verkeerde adres. Het album opent met rauw gitaargeluid, waarna stevig aangezette gitaarlijnen en het expressieve stemgeluid van Ailbhe Reddy het overnemen. Het deed me in eerste instantie wel wat denken aan landgenote Sinéad O'Connor in haar jonge jaren, maar de openingstrack van Personal History laat zich ook vergelijken met de muziek van jonge vrouwelijke singer-songwriters in het indie segment als Phoebe Bridgers en Julien Baker om maar eens twee namen te noemen. 

Het is een krachtig statement waarmee Ailbhe Reddy haar debuut opent, maar in de tweede track van het album laat ze heel even horen dat ze het label folk niet voor niets opgeplakt heeft gekregen. Het gitaarwerk blijft echter te ruw voor pure folk en ook de stem van de muzikante uit Dublin laat zich nooit volledig in het keurslijf van het genre passen, waarna steviger gitaarwerk en wat elektronica ook de tweede track op het album laten afdwalen van de folk en aan het eind met flink wat gitaargeweld de rock wordt opgezocht. 

Na de eerste twee tracks was ik al overtuigd van de kwaliteit van het debuut van Ailbhe Reddy. Personal History combineert invloeden uit de indie-rock met een beetje folk, met veel passie en emotie in de zang, met hier en daar een woeste uitbarsting, met een vleugje Ierland en met mooie persoonlijke songs, die een inkijkje geven in het leven van de Ierse muzikante, die vooral worstelde met haar seksualiteit in het conservatieve Ierland. 

Het is knap hoe Ailbhe Reddy variatie aanbrengt in haar muziek. Folky gitaarlijnen worden afgewisseld met rauwer gitaarwerk, maar ook voor een piano georiënteerde song ben je bij de Ierse muzikante aan het juiste adres. Wat het nog knapper maakt is dat de zang van Ailbhe Reddy zich onmiddellijk aanpast aan het geluid in haar songs. Het ene moment hoor je een pastoraal klinkende folkie, het volgende moment een angry young woman die ruw van zich afbijt, dan weer een popprinses die de fraaie noten met speels gemak aan elkaar knoopt. 

Door alle variatie, de enorme dynamiek en het persoonlijke karakter van de songs van de Ierse muzikante maakt Personal History makkelijk een onuitwisbare indruk en wordt je al even makkelijk gegrepen door de intieme songs van Ailbhe Reddy, die uiteindelijk toch een stuk ruwer en indringender klinken dan die van de genoemde indie-rock boegbeelden en opschuiven richting de muziek van bijvoorbeeld SOAK of een jonge PJ Harvey. Tien songs en 35 minuten lang raast Ailbhe Reddy als een wervelwind over je heen, waarna duidelijk is dat we serieus rekening moeten gaan houden met dit Ierse talent.

Erwin Zijleman

Je kunt Personal History hier luisteren en bestellen:

https://ailbhereddy.bandcamp.com/

 

of luister naar onze Spotify Playlist om uit te vinden waar we over schrijven:

https://open.spotify.com/user/glazu53/playlist/6R9FgPd2btrMuMaIrYeCh6?si=KI6LzLaAS5K-wsez5oSO2g 

Sunday, 15 August 2021

Heavy Sun. Daniel Lanois

Daniel Lanois is natuurlijk vooral bekend als producer, maar ook als muzikant doet hij zo nu en dan bijzondere dingen, zoals op dit zeer fraaie en vooral door gospel beïnvloede, nieuwe album.

Heavy Sun van Daniel Lanois wordt hier en daar beschreven als een mix van gospel, orgelmuziek en ambient. Dat leek me op voorhand op zijn minst een bijzondere combinatie, maar het pakt verrassend goed uit. De Canadese muzikant en producer maakte Heavy Sun met drie andere muzikanten en het heeft een bijzonder klinkend album opgeleverd, waarin het orgel en gospelvocalen inderdaad een belangrijke rol spelen, maar Daniel Lanois hier en daar ook zijn zo karakteristieke geluid kwijt kan. In muzikaal en vocaal opzicht is het smullen, maar uiteraard is ook de productie van het niveau dat we inmiddels van Daniel Lanois gewend zijn. Bijzonder album.

Daniel Lanois vergaarde alleen met zijn werk voor Bob Dylan, Emmylou Harris, Peter Gabriel en U2 al flink wat roem als producer, maar hij heeft ook zeker zijn sporen verdiend als muzikant. Met zijn debuut Acadie uit 1989, opvolger For The Beauty Of Wynona uit 1993 en Shine uit 2003 maakte de Canadese muzikant minstens drie memorabele albums en dat is op zich een hele acceptabele score voor een muzikant. 

Deze week verscheen een nieuw album van Daniel Lanois, Heavy Sun. Het is de opvolger van de drie jaar geleden verschenen samenwerking met Venetian Snares (Venetian Snares x Daniel Lanois), waar ik persoonlijk helaas geen chocola van kon maken. Heavy Sun klinkt weer totaal anders dan de door experimentele elektronica gedomineerde voorganger. 

Op Heavy Sun brengt Daniel Lanois zijn liefde voor gospel, orgels en ambient samen. Dat klonk voor mij op voorhand een beetje als patat met chocoladesaus en mandarijn partjes, oftewel als een combinatie van dingen die zich lastig laten verenigen. 

Ik was daarom in eerste instantie vooral benieuwd naar de productie van het album, die Daniel Lanois uiteraard zelf voor zijn rekening nam. Die productie is, zoals we inmiddels ook wel van de Canadese muzikant en producer kunnen verwachten, een waar kunststukje. Het in Los Angeles en Toronto opgenomen album klinkt fantastisch, bevat hier en daar flarden van het zo karakteristieke Daniel Lanois geluid en laat alle ingrediënten van de muziek op Heavy Sun glashelder uit de speakers komen. 

Daniel Lanois werkt op Heavy Sun samen met gitarist Rocco DeLuca en bassist Jim Wilson. Hiernaast werd een beroep gedaan op Johnny Shepherd, in het dagelijks leven zanger en organist in de Zion Baptist Church in Shreveport, Louisiana. Hier en daar zijn ook nog drums te horen, die me even deden denken aan de fabuleuze drummer Brian Blade, maar de drums werden door Daniel Lanois zelf geprogrammeerd. 

Heavy Sun laat niet alleen vier geweldige muzikanten horen (Daniel Lanois speelt zelf gitaar op het album), maar ook vier uitstekende zangers, met een glansrol voor Johnny Shepherd. Deze Johnny Shepherd had absoluut zijn naam verdiend op de cover, want zijn geweldige orgelspel en zijn prachtige gospelvocalen zijn wat mij betreft de twee belangrijkste ingrediënten van de muziek op Heavy Sun. 

Ik ben op zich geen groot gospelliefhebbers, maar Heavy Sun biedt de warmte en hoop die we momenteel goed kunnen gebruiken. Een pandemie album is het echter zeker niet, want het album werd voor de komst van het coronavirus in de Verenigde Staten en Canada opgenomen. 

Voor een album dat ik op voorhand beschreef als patat met chocoladesaus en mandarijn partjes, is Heavy Sun een behoorlijk toegankelijk album. De ambient invloeden op het album hoor ik persoonlijk niet zo goed, of het moeten de hier en daar wat atmosferische klanken zijn. De combinatie van gospel en orgel is natuurlijk een prima combinatie en ook het prachtige gitaarwerk op het album en de donkere bassen sluiten naadloos aan op de rest van de instrumentatie. 

Heavy Sun is al met al een album is dat ik geen moment van Daniel Lanois had verwacht. Het is op hetzelfde moment ook een album dat zijn talent als muzikant en als producer onderstreept. Fascinerend album.

Erwin Zijleman